Non pagare gli artisti uccide il talento

Sempre alla ricerca di argomenti e ispirazioni per i miei articoli, martedì scorso mi sono imbattuto in questo articolo pubblicato da Susan Jones sull’edizione del 19 maggio di The Guardian, il cui titolo mi ha richiamato alla mente la situazione del nostro Sistema dell’Arte: By paying artists nothing, we risk severing the pipeline of UK talent. Quello che emerge dallo scritto della Jones è allarmante:

  • il 63% degli artisti inglesi non espone perché le gallerie gli chiedono di pagare per farlo;
  • il 71% degli artisti non riceve una percentuale per mostre finanziate con fondi pubblici.

Susan Jones fa un confronto tra la situazione nel Regno Unito e quella di altre realtà – Polonia, Norvegia, Canada -, richiamando all’ordine l’intero Sistema dell’Arte inglese, dicendo che nessuno dovrebbe lavorare gratis e che se è vero che la situazione economica attuale permette di esporre solo ad un numero esiguo di artisti, è anche vero che,  continuando su questa strada, si rischia di troncare l’asse portante del talento britannico. “Se così fosse – commenta la Jones – perderemmo quella preziosa diversità e capacità di innovazione che rendono le arti visuali così rispettate nel Regno Unito”. Una situazione avvertita come talmente grave da aver spinto la A N, società di informazione per gli artisti, a lanciare una campagna di sensibilizzazione: Paying Artists.

5 gli elementi chiave individuati dai promotori di questa iniziativa che potrebbero essere un modello da applicare anche in Italia a patto, ovviamente, di attuare tutte quelle riforme necessarie per far ripartire il nostro mercato:

[custom_list type=”check”]

  • incoraggiare la gallerie affinché siano più aperte per quanto riguarda le politiche di pagamento;
  • Creare un sistema di policy e di linee guida a livello nazionale relativo al pagamento degli artisti;
  • Includere le regole di retribuzione negli accordi di finanziamento;
  • Monitorare, attraverso ricerche di settore, la situazione retributiva degli artisti visuali;
  • Dare agli artisti gli strumenti che fanno al caso loro.

[/custom_list]

Per chi spesso guarda all’Inghilterra come ad una terra promessa per fare successo nel campo dell’arte, tutto questo può suonare come una brutta doccia fredda. E in parte certo lo è, ma questa esperienza ci mostra come nel Regno Unito, a differenza di quanto accade in Italia, questi argomenti vengano affrontati sui quotidiani e non solo sulle testate di settore. A dimostrazione dell’alta attenzione che all’estero si ha per il mondo dell’arte. Un esempio che dovremmo iniziare a seguire anche noi. Ma ecco cosa scrive la Jones su The Guardian, leggetelo e commentate numerosi!

By paying artists nothing, we risk severing the pipeline of UK talent

 

Susan Jones
Guardian Professional, Monday 19 May 2014 11.20 BST

 

In many other countries it’s taken as read that artists get a fee when showing work in publicly-funded exhibitions. In Poland, for example, artists are paid a fee linked directly to the average working wage and can negotiate from there. In Norway, they are paid according to number of works and duration of the exhibition; in Canada, artists’ rights for payment when their work is used in exhibitions are legally enshrined.

The UK is a different kettle of fish. Contrary to public expectation, but not the experience of many in the sector, most UK galleries do not pay exhibiting artists. In the past three years, 71% of artists didn’t get a fee for contributions to publicly-funded exhibitions. And this culture of non-payment is actually stopping artists from accepting offers from galleries, with 63% forced to reject gallery offers because they can’t afford to work for nothing.

UK artists make an average of just £10,000 a year from their creative practice. Photograph: Danny Lehman/CORBIS

UK artists make an average of just £10,000 a year from their creative practice. Photograph: Danny Lehman/CORBIS

No one should have to work for free, but that’s just part of the issue. If economic circumstances mean there are fewer artists able to exhibit their work, we the policy-makers, funders, galleries and the gallery-going public risk severing the pipeline of talent on which we depend. If that happens, we lose the precious diversity and innovation that makes visual arts in the UK so well respected.

The Paying Artists campaign aims to do what it says on the tin by working with galleries, funders, policy-makers, artists and the public to challenge the status quo. We’ve identified five key steps to achieving this.

 

1. Encouraging galleries to be open about their payment policies

 

Being open and frank about current gallery policies is the vital starting point for the debate needed to make paying artists a reality. Greater transparency will highlight the good practice that does exist around the UK and help other galleries to see how they too can overcome barriers and make the case for paying artists in their own venues.

A good example is Fabrica in Brighton. The visual arts organisation spends around £30,000 per commission, with fees to each artist between £2,000 and £6,000 plus expenses. Artists also get full technical support, installation, promotion, marketing and an accompanying education programme.

Highlighting examples like Fabrica are important in the campaign, but no two galleries are the same and we need to promote solutions that work across a range of settings. At the end of the day, artists and galleries can’t exist without each other; it’s in all our interests to be pragmatic and collaborative.

 

2. Creating national policy and guidance on paying artists

 

The whole issue of fees for artists needs to be set within a policy framework so that it’s enshrined in the way everyone in the visual arts sector does things. Proper national policy and guidance will drive and sustain the issue, making sure it doesn’t become a passing phase.

What does the government get out of it? Besides preserving the £1.9bn that the visual arts contributes to the national economy, it will be tackling inequality and demonstrating how, like never before, it is delivering real value for the money that tax payers invest in the arts by encouraging the broadest possible range of quality art.

 

3. Including pay policy in funding agreements

 

Major funders including Arts Council England (ACE), Creative Scotland and the Arts Council of Wales play a critical role in encouraging publicly-funded galleries to pay artists by setting pay policy requirements into funding agreements. By encouraging galleries to adopt these policies, funders are supporting their own goals for excellence and resilience in the arts, ensuring diversity across the arts workforce, and supporting accessibility of the arts for all.

The argument isn’t falling on deaf ears. Even before the campaign’s launch, ACE chair Peter Bazalgette tweeted his support, so signs are encouraging.

 

4. Research into payment of visual artists

 

Our own detailed research tells us a lot about the payment of artists in the UK today. As well as being frequently unpaid for their work with galleries, we know they are making an average of just £10,000 a year from their creative practice. We know too that they have suffered a £6,000 drop in real income since 1997, making it harder to be a serious artist and spend enough time on research and making new work.

A national review of the economic contribution of visual artists, the role artists play and the impact of no, or low, pay on their livelihoods will create a deeper understanding of the issues that artists and public sector galleries face. It will put the weight of government behind the whole issue, making sure that it’s more than artists and their membership organisations who promote solutions and ensure sustainability in the visual arts.

 

5. Giving artists the tools to make their own case

 

Our own studies also show how visual artists – especially emerging ones and those not commercially represented – can lack the confidence needed to negotiate for themselves. It’s not always this uncertainty; the culture of non-payment is so deeply ingrained in the artist/gallery relationship that many artists know nothing else. As one gallery in our study reported: “from my experience, artists usually don’t ask for a fee. They don’t have expectations.”

The Paying Artists campaign will show how artists, just like teachers, surgeons or plumbers, have every right to expect payment for the work they do. It will empower them to stand up and expect payment by providing them the toolkits and negotiation techniques they need, and equally importantly, provide galleries with frameworks for good practice.

7 Commenti

  • Anna Castoro ha detto:

    Ciao, Nicola. Certo nell’articolo viene sollevato il problema perchè, si sa,l’Inghilterra ha rispetto per la dignità dell’individuo, e pertanto anche degli artisti. Rimane difficile capire come debbano fare i galleristi a sbarcare il lunario senza appoggi governativi…
    Però il problema è che da quelle parti un mercato dell’arte contemporanea esiste, e se all’artista viene richiesto un contributo,lo si può accettare, pensando che tutto si inquadri in un bilancio tutto sommato dinamico dell’artista.
    Fare un confronto con la situazione italiana, non credo sia possibile.
    Dici giustamente che possiamo prendere spunto, previa adozione dei provvedimenti governativi necessari al settore arte contemporanea.
    In Italia, Nicola, lo dico con consapevolezza, è smembrato il mercato del contemporaneo, e ben altro viene chiesto agli artisti. Quando mi arrivano in posta elettronica alcune proposte di adesione, mi chiedo se curatori, critici, galleristi (quelli superstiti) italiani pensino che gli artisti siano tutti mantenuti o benestanti che abbiano una barca di soldi…
    E’ semplicemente scandaloso.
    A fronte di un mercato inesistente (e nessuno fa nulla di significativo e competente per smuoverlo), un artista solo per mostrare una sua opera deve preventivare un costo che va dai 200 ai 1000 euro (a seconda della pubblicazione o location).E un artista serio produce di continuo…
    Sembra che l’arte, per colpa degli stessi operatori, in un periodo di crisi come questo, sia considerata attività voluttuaria, settore da predoni.
    Ritengo che un Paese serio si presenti al mondo con le sue caratteristiche culturali: questo ce l’hanno insegnato i Greci anticamente, e noi lo abbiamo dimenticato….mentre i Paesi del Medio Oriente e del 3° mondo, che ci guardavano con invidia, ne stanno scoprendo l’importanza..

    • Nicola Maggi Nicola Maggi ha detto:

      Cara Anna, quello che dici è tristemente vero. E la cosa sorprendente è che nel nostro Paese siamo molto più propensi a deligittimare e ad attaccare il mondo del contemporaneo. Senza mai soffermarsi sul comprendere le dinamiche di questo settore importantissimi anche in termini di posti di lavoro. Il problema di fondo temo sia proprio nelle nostre teste: se Franceschini oggi dice che con la cultura si deve mangiare, nella mente degli Italiani mi sembra che trovi più consensi quello che diceva in passato Tremonti. E’ una deriva culturali preoccupante e che decenni di imbarbarimento hanno inculcato nella maggioranza dei nostri concittadini che non comprendono più l’importanza di certe cose e le potenzialità di sviluppo, anche economico, che portano con sé. E l’articolo che ha pubblicato Galimberti su D di Repubblica qualche tempo fa la dice lunga sulle responsabilità degli operatori culturali a tutti i livelli: https://www.collezionedatiffany.com/wordpress/wp-content/uploads/2014/06/DON_158_159.pdf

  • Paolo Tarabella ha detto:

    stim.mo nicola,quei 5 elementi,sarebbbe quel che occorre,ma lo ritengo,in special modo nel nostro paese un sogno o chimera.se ne infischiano dell'arte,particolarmente, la gran parte di psudo politici,perlopiù corrotti e cialtroni.è finito da lungo tempo,l'epoca dei mecenati:martelli a castiglioncello,peggy guggenheim,ecc.ecc. vi sono ancora, anche da noi, dei collezionisti che amano l'arte,ma credo un numero esiguo.così come nella critica,molti si,ma cme si dice in toscana dei papponi.tanti cari saluti paolo

    • Nicola Maggi Nicola Maggi ha detto:

      Eheheh, caro Paolo, intervento pungente. Il problema è che si guarda un po’ troppo all’arte come investimento economico e non come investimento culturale per accrescere noi stessi.

  • Daniele Taddei taddei daniele ha detto:

    Ciao Nicola, quando tocchiamo l’aspetto economico di qualsiasi attività e mestiere, diventa oltremodo difficile entrare in discussione e questo perché come ben sai esistono “regole” non sempre note, o peggio relegate ad un manipolo di intermediari che con la loro incontrollata disponibilità creano e disfanno a loro comodo.
    Va di seguito che tutto il sistema arte venga influenzato (se non guidato) da questi personaggi che poco hanno a che fare con l’arte, quell’arte che nasce dal di dentro che solo persone fortunate riescono ad esprimere. In questo contesto la nostra Italia si presenta molto fragile con le Istituzioni stesse che non credono nell’Arte, Istituti ed Accademie senza fondi o sostegni economici, a questo si va aggiungere la mancanza di spazi pubblici espositivi per accogliere i lavori dei giovani artisti promuovendo quanto meno la loro visibilità.
    Sulle gallerie private non credo vi siano delle opportunità per i giovani artisti, i pochi casi non sono da portare come esempio: le gallerie stanno soffrendo in particolar modo quelle che hanno scelto la strada “commerciale” e non “quella artistico-culturale”. Il mondo delle Aste, le vendite televisive ed i canali di internet la fanno da padrone! Una volta ( mi riferisco al dopoguerra) i galleristi erano uomini di grande umanità, sapienza ed entusiasmo e vivevano l’arte con passione e credo. Basti pensare le gallerie di Brera a Milano o quelle del centro storico di Roma: tutte davano spazio ai giovani, a coloro che avevano qualcosa da dire. Quanti artisti oggi affermati e riconosciuti dal mercato debbono all’intuito ed alla lungimiranza di quegli uomini?
    I tempi sono sicuramente cambiati, il danaro è l’assoluto protagonista della scena, solo quello che riesce a far muovere il danaro conta, il resto viene messo da parte!!!
    Non conta più il “valore” ovvero “la storia” dell’opera e dell’artista, ma il “prezzo” come se il dipinto, la fotografia o la scultura di turno siano dei semplici oggetti, merce di scambio!!!
    Il momento non è dei migliori e quando subentrano crisi economiche e sociali, queste vanno ad incidere pesantemente sugli stati d’animo delle persone, sempre più sole e rassegnate, cosa fare allora? Creare un circuito dove i giovani artisti frequentatori di Accademie ed Istituti d’Arte possano esporre e rendere visibili i propri lavori, questo processo deve essere accompagnato da studiosi, cultori e critici, che a loro volta dovranno farsi parte diligente di promuoverli verso quei galleristi precedentemente individuati.
    Purtroppo non vi sono scorciatoie, il percorso è lungo e richiede grandi dosi di sacrificio, però occorre guardare avanti con tanta determinazione ed entusiasmo, dal tronde guardando indietro la “storia” ci insegna molte cose.
    Daniele.

    • Nicola Maggi Nicola Maggi ha detto:

      Caro Daniele, come al solito i tuoi interventi arricchiscono la discussione e aprono a riflessioni profonde. La prima promozione degli artisti italiani dovrebbe, infatti, nascere in Italia e oltre a quello che dici si dovrebbe anche riconoscere l’importante ruolo dei collezionisti come promotori dell’arte del nostro Paese. E’ quando avviene in altre terre, certamente più sensibili al tema. A proposito delle Accademie e degli Istituti d’Arte, mi viene anche da dire che dovrebbero far uscire non solo degli ottimi artisti, cosa che fanno, ma anche prepararli e dargli gli strumenti per muovere i primi passi all’interno del Sistema dell’Arte. Proprio qualche settimana fa ho partecipato all’inaugurazione, presso l’Accademia delle Arti e del Disegno di Firenze, di una mostra di un artista che stimo molto e che esponeva i lavori realizzati in 5 anni di borsa di studio. E’ un ragazzo giovane e pieno di talento a cui l’Accademia ha fornito lo spazio per la mostra, stampando un piccolo catalogo poi… solo amici e parenti, neanche un giornalista locale. Quando ho chiesto se facessero un minimo di attività di ufficio stampa mi hanno risposto di no, aggiungendo che di quello se ne occupa l’artista. Ma come si può pretendere che un giovane artista abbia i contatti con i giornalisti o i critici se è appena uscito dall’Accademia? Il risultato è che della mostra, bellissima, non se ne è praticamente parlato: sarà solo un punto del suo curriculum.
      Oltre a tutti i problemi che elenchi, verissimi, mi sembra che in Italia manchi proprio la mentalità giusta per far emergere i nostri giovani talenti. Eppure, sono convinto, che tanti insegnanti (che sono anche artisti) abbiano contatti buoni che potrebbero spendere per i loro allievi migliori. E poi, come dici tu, visto che le Regioni, le Province e i Comuni organizzano tante retrospettive su artisti del passato, potrebbero anche dedicare qualche fondo a mostre che espongano i lavori dei giovani, magari invitando i galleristi e i collezionisti della zona per farli conoscere. Ma sembra proprio che non ci piaccia guardare avanti. Speriamo che qualcosa cambi presto.
      Un caro saluto. Nicola

I commenti sono chiusi